Bite the culture

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Aural Oral

Artist – Grace Gloria Denis

Aural Oral è una serie di studi site-specific e di snodi sensoriali nella ricerca agricola, che offre una riflessione sensoriale sui processi di coltivazione e consumo. Il pasto accoppia un archivio uditivo dei suoi ingredienti con la sua ingestione, implementando diversi microfoni per trasmettere una serie di registrazioni di azioni culinarie e agricole accoppiate a suoni ambientali provenienti dal sito di produzione. Ogni traccia di accompagnamento traccia una cartografia sonora del piatto, amplificando le micro-azioni della fattoria e della cucina, proponendo riflessioni risonanti della sua coltivazione e del suo consumo che vanno oltre il dominio gustativo. Aural Oral fa riferimento alla ricerca acustemologica, coniata da Stephen Feld, che valorizza le metodologie di “conoscenza con e conoscenza attraverso l’udibile”.

La prima traccia propone un’introduzione sinfonica al mondo della fermentazione del mezcal, illustrando la lenta ed effervescente trasformazione delle fibre e del liquido che il lievito ha reso possibile. La seconda traccia ha indagato i paesaggi sonori di Xochimilco durante la costruzione di un chapin, una tecnologia ancestrale di letto di terra, a Chinampa Tlazolteotl. Le chinampa, che discendono dalla parola nahuatl chinamitl che indica “siepe vicino alla canna”, sono un antico sistema agricolo di subirrigazione che utilizza aree rettangolari di terra fertile costruite su letti lacustri poco profondi. Questo delicato ecosistema lacustre è costituito da terreni alluvionali, punteggiati di argilla e basalto, e può produrre fino a sette raccolti all’anno. Questa azione è scaturita da un invito a partecipare all’Archivo Biocultural Vivo di Cocina Colaboratorio, navigando nei paesaggi sonori durante la costruzione del chapin; dalla raccolta di fertilizzanti naturali alla raccolta di fango accessibile esclusivamente tramite canoe. Questo piatto è stato abbinato a prodotti freschi provenienti dall’iniziativa agroecologica di Xochimilco, il Colectivo Ahuejote. Il terzo brano presenta un amalgama di suoni registrati durante la cottura con il fuoco; i crepitii del calore secco ondeggiano in una partitura ritmica che presenta la ricetta come una composizione musicale. La quarta traccia esplora la giustapposizione di ronzii inerenti all’Huerto Tlatelolco, un giardino urbano situato sul Paseo de la Reforma, contrapponendo il fruscio delle auto sull’autostrada al borbottio melodico delle api, evidenziando le varie forme e velocità di movimento del giardino. Un’indagine sonora del sito colloca due ritmi udibili, quello della cadenza naturale del giardino accanto al pulsare della città. Il netto contrasto di due temporalità, quella urbana e quella rurale trasposta, pone una contemplazione dello slancio all’interno del contesto metropolitano.

Part I: Mezcal Fermentation in the palenque of Yola Mezcal

Part II: Chapin Construction with Cocina Colaboratorio at Chinampa Tlazolteotl

Part III: Guajillo, Ancho, and Morita chiles slow roasted on fire

Part IV: Soundscapes of Huerto Tlatelolco

Native Plants

Artist – Fallen Fruit

“Native Plants” è un motivo a ripetizione asincrona di Fallen Fruit, creato utilizzando fotografie scattate al Royal Botanic Gardens di Cranbourne durante una visita a Melbourne nel 2020. Presenta banksie, “zampe di canguro” e altre piante tra le centinaia di specie indigene conservate in questo ecosistema incontaminato.
Utilizzando il mezzo della carta da parati, David e Austin / Fallen Fruit creano disegni unici ispirati alla flora e alla fauna locali. “Natural History” 2020, prende spunto dall’Australia e combina in modo critico le specie introdotte di uccelli e piante con quelle autoctone, molte delle quali tratte da immagini conservate nella NGV Collection.
“Native Plants” mette a fuoco la relazione complessa e dinamica tra gli ideali storici e contemporanei di bellezza e natura, l’ideologia religiosa e i temi narrativi del colonialismo e la loro funzione di racconto nell’arte occidentale. Questo è un dettaglio di un’opera d’arte immersiva creata per le Gallerie Europee della NGV.

Musica prodotta da Andrew Stanley (Yolanda Be Cool)

Public Gathering at the Monument to Sharing

Artist – Fallen Fruit

“Public Gathering at the Monument to Sharing” è un collage digitale realizzato con personaggi antropomorfi di frutta ricontestualizzati, originariamente creati dal pubblico per la rivista “Fallen Fruit Magazine” – principalmente dal progetto partecipativo al V&A Museum di Londra, ma anche in varie città del mondo.
I personaggi sono riuniti intorno al “Monumento alla condivisione”, l’opera d’arte permanente dell’artista nello State Historic Park di Los Angeles. Si tratta di un’installazione di 32 alberi d’arancio destinati a essere condivisi con tutti.
Questa immagine è stata creata nel 2021 per celebrare il lancio dell’Endless Orchard, il frutteto pubblico di condivisione collaborativo e non contiguo di Fallen Fruit. Unitevi a loro nella creazione della più grande opera d’arte commestibile del mondo.

Musica prodotta da Andrew Stanley (di Yolanda Be Cool)

Plastivores

Artist – Natalia Carminati (Food Cultura)

2017
Food art, intervento artistico e installazione
Orsetto Haribo, marshmallow per bambini fatti in casa, sacchetti ziploc, adesivi, palloncini a elio, adesivo su bustine originali Haribo Gold-Bear
Dimensioni variabili

Dominata dagli stessi principi di qualsiasi altro mercato, l’industria alimentare produce in massa prodotti commestibili che sono visivamente attraenti, ma nutrizionalmente spaventosi e persino tossici per la nostra salute fisica e mentale. Plastivores è un progetto che coniuga diverse linee d’azione per riflettere su come il valore visivo del cibo abbia preso il sopravvento sul valore nutrizionale di ciò che mangiamo. Il progetto integra la ricerca sul campo, l’intervento artistico e la creazione di una caramella che lavora sui limiti di ciò che consideriamo commestibile

Obtaining the right color

Artist – Natalia Carminati (Food Cultura)

2018
Azione collettiva e installazione
Impasto per pane e coloranti alimentari
Creato con Anna Irina Russell

Obtaining the right color esplora il modo in cui la percezione visiva influenza i nostri comportamenti alimentari. Il pane, alimento base di ogni dieta e fedele compagno di ogni piatto, diventa un gioco di colori e forme utilizzando il popolarissimo colorante Paella Dani. In questo modo, il pane diventa un punto d’incontro in cui, senza indicazioni precedenti, i partecipanti al Laboratorio di Paella devono decidere se fa parte dell’oggetto di scena o se è commestibile e, in caso affermativo, come viene distribuito. Un secondo elemento, questa volta sotto forma di gioco, invita i partecipanti a toccare, interagire e giocare con l’allestimento in cui si trovano, sperimentando il valore visivo del cibo e la decisione di cosa è e cosa non è commestibile.

Ask Me if I believe in the Future

Artist – Carolien Niebling

Il cibo è responsabile di oltre un quarto (26%) delle emissioni globali di gas serra. Lasciatevelo dire per un momento: è molto. Ma in qualche modo è anche comprensibile, perché il cibo è un bisogno primario. Ciò che è più difficile da capire è che il 6% di questo cibo viene sprecato e non durante la produzione e il raccolto, ma dopo, durante il trasporto, lo stoccaggio, al supermercato e a casa. È ora di cambiare questa situazione.

“Future-Proof Plating” ci offre uno sguardo nuovo su alimenti naturali che non fanno ancora parte della nostra dieta quotidiana, ma che dovrebbero farlo. Fotografie macro di alghe e piante commestibili stampate su tessuti affascinano l’occhio con le loro texture e forme sorprendenti. Composizioni di piante marine accuratamente disposte sono impresse su piatti di ceramica. Tutte queste alghe commestibili sono state acquistate nei negozi di alimentari o online, reidratate e celebrate per il loro fascino estetico, per farci pensare a un futuro alternativo per il cibo e per il nostro pianeta.

Abbiamo perso completamente il contatto con l’origine del nostro cibo e con lo sforzo che comporta la sua coltivazione o il suo allevamento. Ciò si traduce in una mancanza di rispetto e di conoscenza del nostro cibo, e quindi è più facile buttarlo via. Questo progetto ha creato piatti da mangiare che colmano il divario tra ciò che si trova nel piatto e la sua provenienza. Mostrando la bellezza delle alghe commestibili.

La luce, l’odore, l’atmosfera, la memoria, il colore, il suono, la consistenza e la presentazione di un piatto influenzano l’esperienza e persino il gusto effettivo. Quando parliamo di cibo, tendiamo a descriverlo in termini di sapore – ciò che sperimentiamo con il nostro senso del gusto. Il design di questi piatti gioca con i nostri sensi e rivela la bellezza del cibo. Le consistenze sono catturate con tale precisione dalla porcellana che sembra quasi il materiale reale.

Market of externalities

Artists – Sonja Stummerer & Martin Hablesreiter

Paghereste 35 euro per un pollo o una pagnotta? No?
Beh, non è affatto giusto, visto quanto costa produrli!
Analizziamo il prezzo che non siamo disposti a pagare: i veleni che diffondiamo nell’ambiente per un semplice pasto, incoraggiati dall’impressionante potere dell’industria alimentare. Paghiamo diserbanti e pesticidi, e i macchinari per il raccolto e il trasporto, ma non paghiamo per il loro impatto sulla salute del pianeta e dei suoi abitanti.
Sedetevi, rilassatevi, chiudete gli occhi e assaporate le vostre patatine, i vostri noodles, il vostro pane. È il glifosato, Azoxystrobin, Atrazina, Clorpirifos o è gas, benzina o carbone?
Cosa state mangiando?

I cortometraggi sono interpretazioni del valore culturale del consumo.
L’uguaglianza consiste nel mantenere le decisioni libere da qualsiasi forma di discriminazione. Questo significa che l’uguaglianza è un valore etico? E abbiamo bisogno di un dibattito sull’ambiente? Tutti noi (7 miliardi di esseri umani) abbiamo lo stesso diritto a un ambiente egualitario, che ci mantenga sani e ricchi?
Dovremmo dire che la sostenibilità è una questione di uguaglianza?
In particolare, l’approccio artistico alla sostenibilità mette in moto il riesame delle condizioni di vita nelle zone del “Terzo Mondo”, che forniscono alimenti grezzi al “mercato mondiale” globalizzato a beneficio del “Primo Mondo”, o degli effetti del “cambiamento climatico” sui sistemi biologici e sociali presenti e futuri.
Quindi, stiamo parlando di uguaglianza, non è vero? Una discussione sulla sostenibilità significa anche indagare la questione del perché “noi” europei consideriamo una sfida vivere in modo sostenibile.
L’attuale stile di vita, compresa l’etica, come la convinzione di un’economia di mercato in costante crescita, la necessità di un di un consumo costante o il desiderio dei cosiddetti supermercati, sembra impedirci di raggiungere un modo egualitario di vivere.

Just for 4.25€

Artist – Natalia Carminati (Food Cultura)

2018
Installazione
McRoyal DeLuxe di McDonald, biglietto d’acquisto, base dorata, 2500 litri di bottiglie d’acqua vuote, struttura in ferro, pvc flessibile
Dimensioni variabili

Just for 4.25€ è un progetto che medita sulla sostenibilità dei processi di industrializzazione di tutte le produzioni contemporanee. Il progetto nasce da un’azione collettiva proposta alla comunità di Fabra i Coats e a diverse entità del quartiere di Sant Andreu con lo scopo di raccogliere tutte le bottiglie d’acqua vuote che venivano consumate quotidianamente durante un mese. Durante tutto il mese di settembre 2018, sono state raccolte centinaia di bottiglie di tutte le dimensioni. Tuttavia, questo volume ammontava a 1500 litri di acqua vuota sui 2500 litri di acqua consumati dall’industria alimentare per produrre un hamburger di 250 grammi di carne. In questo modo, l’azione collettiva ci permette di dare una dimensione allo sfruttamento massiccio e costante dell’acqua che non torna mai nel suo territorio né viene compensata economicamente.
Questa azione si concretizza in un’installazione finale che si interroga sul vuoto allarmante delle politiche di sostenibilità e sulla necessità di meditare sul modo in cui intendiamo le risorse naturali, nonché di individuare il modo in cui ci relazioniamo e coesistiamo con la natura attraverso le nostre decisioni di vita quotidiana.

Biomaterials

Artist – LABVA

CUCINIAMO
Restituiamo gli scarti organici agroindustriali locali al ciclo produttivo attraverso la creazione di un biomateriale. Di conseguenza, trasformando gli scarti alimentari in oggetti, intendiamo mantenere la materia in circolo evitando il flusso dei rifiuti.

CREIAMO
Creiamo polimeri a partire da alghe, frattaglie di pesce, patate autoctone e scarti alimentari come il nocciolo dell’avocado, per creare nuovi biofilm in cucina. Queste estrazioni sono fatte artigianalmente, utilizzando strumenti e materiali a basso consumo energetico e poco costosi.

CRESCIAMO
Utilizziamo la crescita biologica al posto di processi di fabbricazione costosi ed energeticamente intensi per convertire i rifiuti organici in biomateriali nuovi ed ecologici.
Con la produzione di materiali autoctoni cerchiamo di promuovere l’autonomia dei materiali utilizzando risorse locali e abbondanti.

INSEGNIAMO
I nuovi materiali locali e la loro divulgazione ci permettono di ricollegare territorio, cultura e tecnologia. Crediamo che, di fronte a una crisi ambientale, i biomateriali si pongano come uno strumento di agenzia per le comunità. Attraverso i biomateriali possiamo sperimentare la biodiversità di un territorio e l’abbondanza materiale che risiede nei processi antropici. Vogliamo mettere in discussione le materialità che circondano la nostra vita quotidiana per comprendere i processi che le sottendono e, quindi, praticare la sovranità.

Les Preciouses e Paris Remains

Artist – Gayle Chong Kwan

The Grand Tour è stato un progetto itinerante di tre anni dell’Arts Council England, con relativa pubblicazione, che ho sviluppato nei luoghi del Grand Tour storico, in cui ho esplorato i primi sviluppi del turismo con i rifiuti, le rovine e gli sviluppi turistici contemporanei, in particolare a Dubai. In “Les Preciouses” ho fotografato gli scarti e i rifiuti alimentari che ho incontrato per le strade di Parigi; questa era una serie a sé stante, ma è diventata anche un partner e si è sviluppata in un’altra serie di fotografie del progetto. In “Paris Remains”, ho raccolto gli scarti di cibo, come bucce di agrumi, torsoli di mela, bucce di banana e altri resti di cibo, che avevo fotografato per le strade di Parigi, e li ho trasformati in una versione in miniatura della città come una rovina. Il senso del gusto degli abitanti è scomparso, lasciando solo la traccia sensoriale di ciò che esisteva un tempo. Un patetico monumento alla storia sensoriale di Parigi. Il paesaggio monumentale e in rovina si basa sull’architettura della città, immaginata come se fosse stata distrutta dalla perdita del gusto dei suoi abitanti. Forse un ironico monumento al destino che avrebbe potuto toccare a Parigi se non avesse accettato il regime di Vichy, oppure un vero e proprio lutto per la passata storia sensoriale della città.

Theater of the sun

Artists – David Allen Burns and Austin Young (Fallen Fruit)

2018
Installazione d’arte site specific creata per Manifesta 12 a Palermo, in Sicilia, Italia.

Quando abbiamo camminato per la città per mappare la frutta accessibile al pubblico, siamo stati ispirati da quanti alberi da frutto esistono negli spazi pubblici di Palermo. Abbiamo trovato fichi d’India, limoni ibridi, arance amare, uva e molto altro. Ci sono frutti comuni all’Asia e al Nord America e ad altre parti d’Europa. Alcuni sono conosciuti oggi, ma in passato erano considerati esotici. Tutti provengono da altri luoghi del mondo, ma sono diventati parte del paesaggio della città grazie alle migrazioni e al commercio nel corso di centinaia di anni. Abbiamo mappato e fotografato questi frutti e fiori per creare il disegno della carta da parati e la mappa della frutta pubblica che l’accompagna. Riteniamo che l’opera d’arte dell’installazione sia un ritratto di Palermo – contemporaneo nel design e nell’impatto e che onora una lunga tradizione di città transnazionale e di fusione di culture mondiali.

Ci siamo ispirati alle chiese, ai palazzi e ai monumenti di Palermo e abbiamo deciso di creare uno spazio sublime che potesse elevare i visitatori e diventare uno spazio sociale. Abbiamo realizzato l’installazione specificamente per la sala di Palazzo Butera: il lato della sala con le finestre è di colore blu chiaro come il mare e il cielo. Abbiamo chiamato la sala “Theatre of sun” per il gioco di luce che si crea sulle pareti. Inoltre, il nome dell’opera d’arte descrive che la città di Palermo e la sua flora si esibiscono durante tutto l’anno.
Il soffitto esistente è un murale del 1763-65 circa, opera di Gioacchino Martorana e Gaspare Fumagalli. Questi due artisti lavorarono insieme e i loro affreschi si trovano in molte chiese e palazzi di Palermo. I murales si riferiscono ai mesi dell’anno. Ma noi pensiamo che la stanza comprenda tutte le stagioni. In un certo senso questo è illustrato dai semi che vengono gettati nella stanza per ricominciare nel nuovo anno.

Swale

Artist – Mary Mattingly

Swale è una foresta alimentare galleggiante costruita su un barcone che viaggia verso i moli pubblici di New York, accogliendo i visitatori per raccogliere gratuitamente erbe, frutta e verdura. Swale si impegna a migliorare la qualità e l’uso responsabile dei corsi d’acqua e dei terreni pubblici; lavora per incoraggiare i newyorkesi a riconsiderare le nostre relazioni con gli ecosistemi ambientali; e mira a cambiare la percezione e le politiche per aumentare la presenza di paesaggi perenni commestibili.

Swale è organizzato con l’aiuto di singoli e gruppi comunitari, oltre che di organizzazioni cittadine, al fine di rafforzare il concetto di cibo e acqua come parte di un bene comune gestito in modo cooperativo. Dal 2016, Swale lavora per il cibo pubblico a New York e dintorni. Swale ha catalizzato (e continua a contribuire alla gestione) la prima area di ristorazione pubblica di 24 ore in un parco di New York.

Flatbread Society Soil Procession

Artist – Futurefarmers

Soil Procession è stata una cerimonia di costruzione del terreno che ha utilizzato il suolo raccolto da oltre 50 fattorie norvegesi, da Tromsø a nord e Stokke a sud, per costruire le fondamenta del Flatbread Society Grain Field and Bakehouse. Una processione di terra e persone attraverso Oslo ha richiamato l’attenzione su questo momento storico e simbolico della transizione di un pezzo di terra in un palcoscenico permanente per l’arte e l’azione legata alla produzione alimentare.

A mezzogiorno in punto, gli agricoltori si sono riuniti ai Giardini Botanici di Oslo insieme agli abitanti della città. Trattori, cavalli, carri, carriole, strumenti musicali, voci, pecore, barche, zaini e biciclette sono stati trasportati a Losæter, dove le offerte di terra degli agricoltori sono state deposte sul sito e dove è stata firmata una Land Declaration.

Grow

Artist – Daan Roosegaarde

L’opera d’arte di Daan Roosegaarde GROW è un omaggio alla bellezza dell’agricoltura. Nella prima mondiale GROW appare come un paesaggio onirico luminoso di onde di luce rossa e blu su un campo enorme. GROW si ispira agli studi scientifici sulle combinazioni di luce che migliorano la crescita e la resilienza delle piante.
La maggior parte del tempo non notiamo quasi mai le enormi aree della Terra che ci stanno letteralmente nutrendo. GROW sottolinea l’importanza dell’innovazione nel sistema agricolo: Come può il design della luce all’avanguardia aiutare le piante a crescere in modo più sostenibile? Come possiamo rendere l’agricoltore l’eroe?

GROW consiste in delle combinazioni di luce basata sul design che brillano verticalmente su 20.000 m2 di terreno agricolo con porro (Allium porrum). Si sperimenta l’opera d’arte come “luci danzanti” attraverso l’enorme campo agricolo. La luce è poetica e ispirata alle tecnologie della scienza della luce e della fotobiologia, che hanno dimostrato che certe combinazioni di luce blu, rossa e ultravioletta possono migliorare la crescita delle piante e ridurre l’uso di pesticidi fino al 50%.
Il film GROW mostra lo sviluppo di questo paesaggio onirico luminoso e come la bellezza della luce può aiutare le piante. È anche un appello all’illuminazione in questi tempi bui. GROW può essere un bene per la natura, ma invia anche una luce di speranza alle persone. Dà un nuovo significato alla parola ‘agri-cultura’ riformulando il paesaggio come un’opera d’arte culturale vivente.

Prof. Dr. Wargent, PhD, Chief Science Officer di BioLumic, esperto mondiale di fotobiologia vegetale: “Il progetto GROW è un progetto affascinante e supportato dalla ricerca scientifica che dimostra che specifiche combinazioni di luce possono migliorare la crescita e ridurre l’uso di pesticidi fino al 50%.”

GROW fa parte del programma artist-in-residence di Rabobank. Daan Roosegaarde e il suo team di designer ed esperti hanno sviluppato GROW nel corso di due anni, informati da sessioni di conoscenza di esperti allo Studio Roosegaarde, Wageningen University & Research, Springtij Forum e il World Economic Forum di Davos. È il primo di una serie di paesaggi onirici dello Studio Roosegaarde che mostrano la bellezza di combinare arte e scienza per creare un mondo migliore.